Друго

Тим Бартон за напуштање на Бетмен: „Мислам дека ги вознемирив Мекдоналдс. „Не можеме да продаваме среќни оброци со тоа!“

Тим Бартон за напуштање на Бетмен: „Мислам дека ги вознемирив Мекдоналдс. „Не можеме да продаваме среќни оброци со тоа!“



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Легендарниот американски режисер Тим Бартон откри зошто не ја завршил трилогијата „Бетмен“

Легендарниот американски режисер Тим Бартон откри зошто не ја завршил трилогијата „Бетмен“.

За време на неодамнешното видео интервју за Yahoo Movies, режисерот Тим ​​Бартон зборуваше за неговата долга кариера и неколку од неговите омилени проекти, вклучувајќи го и неговиот филм од 1989 година, БетменНа Филмот беше критичен и успешен во благајните, и доведе до Бетмен се враќа во 1992. Меѓутоа, иако Бартон првично требаше да ја режира целата трилогија, тој служеше само како продуцент на последниот филм, Бетмен засекогаш, за кое време Мајкл Китон ја напушти насловната улога и беше заменет со Вал Килмер.

Во интервјуто оваа недела, Бартон открива зошто ја напуштил трилогијата и покрај успехот на претходните два филма:

„Мислам дека го вознемирив Мекдоналдс. [Тие прашаа] „Што е тоа црно што излегува од устата на Пингвин. Не можеме да продаваме Среќни Оброци со тоа! ’Тоа беше чудна реакција на Бетмен се враќа, бидејќи половина луѓе мислеа дека е посветло од првото и половина луѓе мислеа дека е потемно. Мислам дека студиото само мислеше дека е премногу чудно- тие сакаа да одат со нешто повеќе за деца или за семејство. Со други зборови, тие не сакаа да направам уште една “.


15 работи што никогаш не сте ги знаеле за Тим Бартон и неуспешниот трет филм за Бетмен

Ако Тим Бартон не беше заменет со elоел Шумахер, можеби ќе го снимеше својот најдобар Бетмен филм досега. Погледнете колку добар можеше да биде откажаниот филм.

Поминаа повеќе од 25 години од тогаш Бетмен се враќа слета во кината. Иако Тим Бартон продолжи да режира некои од најуникатните (и честопати најбизарните) филмови во Холивуд, тешко е да се заборави колку е блиску до посета на Готам по трет пат.

По неговото сигурно воведување на Крстоносниот крстоносец во Бетмен, до неговото крајно лудо продолжение во Бетмен се враќа, Тим Бартон беше промовиран за величина на своето трето одење наоколу. Како што сакаше судбината, се разбира, Ворнер Брос одлучи дека на Бетмен му треба нова креативна насока. Помалку заинтересирани за уметничкиот интегритет и повеќе фасцинирани од потенцијалот за продажба на најпопуларниот лик на DC Comics, Ворнер Брос го избегна мрачниот пристап на Бартон за визуелната, подготвена за играчки, визија замислена од elоел Шумахер.

Иако студиото изврши убиство со Бетмен засекогаш, ја убија и франшизата. Останато по брутално лошите играчки зборови и затегнатите настапи беше носталгија за магичниот допир на Тим Бартон. Ги имаше сите состојки за неверојатен последен чин: Робин Вилијамс како Ридлер, Бред Дуриф како Страшило и Мајкл Китон на врвот на својата игра. Можеме само да претпоставиме за големината на она што можеше да биде.

Еве ги 15 работи што не сте ги знаеле за неуспешниот трет филм на Тим Бартон за Бетмен.


Преглед: „Големите очи“ на Тим Бартон се чувствуваат премногу обоени по бројки

Без разлика дали оставил белег со бизарната, но слатка сентименталност на „Едвард рачни ножици“ и „Битлџус“, брилијантната номинација за „Оскар“, стоп-анимација на „Франкеневини“ и „Невеста на трупот“, или дрскоста на неговите рестартирања на „Бетмен“, Тим Бартон отсекогаш бил еден од најхрабрите визионери на филмот. Освен кога станува збор за жени.

Освен ако не се од дрска, анимирана сорта, женските ликови на Бартон се генерално помалку привлечни отколку што може да се очекува од режисерот чија неконвенционална фантазија воодушеви безброј прекрасно чудни приказни.

Со центарот на крвта „од месо“, тој се двоуми. Како да се премногу кревки, како неговите чудни идеи да бидат премногу наметливи. Ве молам, госпоѓице, извинете ги моите ексцентричности ако сакате.

Последниот филм на Бартон, „Големи очи“, изгледаше како идеална можност да се прекине моделот. Главните улоги ги толкуваат Ејми Адамс и Кристоф Валц како сопруг и жена, кои се зависни, па затоа е сомнително, дури и Бартон би можел да ги сонува, ова изгледаше како шанса да се избегне зајачката дупка што ја проголта неговата повторно замислена „Алиса во земјата на чудата“, неверојатно театарски за Алиса на Миа Васиковска, повеќе polубезна отколку пелунтна.

Овој филм н takes носи во незгодниот свет на Маргарет Кин (Адамс), уметникот чии вифови со големи очи станаа феномен на поп-културата од 60-тите години. Нејзиниот брачен другар, Волтер (Валцер), беше уметник со многу различна лента, ја наведуваше својата сопруга да му дозволи да ја преземе заслугата за нејзината работа и го цица светот да верува во тоа. Насекаде во филмот се оние очи на Кин - многу темни, невозможно тажни - врамени на wallsидови, прикажани во галерии, излегуваат, како што гледаме, на платно во студиото на Маргарет, зад затворени врати, така што другите очи не можеа да видат.

Но, овој портрет на жена на работ - на успех, на потиснување, на потчинување, на бунт - никогаш не е целосно реализиран. И покрај сите превирања околу неа, Маргарет е премногу често стационирана пред платно во тивка концентрација. Како што беше случај во реалниот живот на уметникот, на нејзиниот сопруг -хакер, Волтер, му е дозволено да го привлече вниманието. Нејзината ќерка е повлечена наизменично за драматичен ефект.

Можеби некои од прстите околу Маргарет, која с still уште е жива и слика во реалниот живот, се должат на неможноста на Бартон да го разниша чувството дека тие очи го гледаат. Или неговата навика да се маѓепса со помошните ликови - Црвената кралица на Хелена Бонам Картер во „Алиса“ или Мишел Фајфер во „Бетмен се враќа“ во 1992 година, се канџи и се бранува како Селина Кајл/Мачка.

Сценариото, напишано од Скот Александар и Лари Карашевски, кои внесоа таква чудна енергија и наклонетост во биографијата на режисерот за озлогласениот режисер на Б-филмот, „Ед Вуд“, е исто толку скица на бракот од средната класа во 1950-тите, како и еден од уметник.

„Големи очи“ започнува со бегството на Маргарет од нејзиниот прв брак-со солзи во очите, фаќајќи ја ќерката со едната рака, со тркалото на автомобилот со другата. Наскоро таа започнува нов живот во областа Беј, паѓајќи во прегратките на Волтер и под негова магија. Иако тој тврди дека е и уметник - неговата специјалност е улицата во Париз - тој е повеќе измамник отколку сликар. Сепак, колку и да е лукав Валтер, филмот ве прашува да се прашувате дали успехот на работата би бил толку масивен без него.

Погледот на Маргарет за местото на жената доаѓа од различна возраст, непосредно пред растечката феминистичка плима во 1960 -тите да ја зафати нацијата. Конфликтот е поврзан со нејзината зголемена огорченост од отпуштањето - како жена и како уметник. Доминирани од мажи, водени од нејзината уметност, додека таа и Волтер се караат за сликите, го слушате одгласот на другите сопрузи и сопруги кои се расправаат за идејата за еднаквост.

Притискањето и повлекувањето меѓу нив-Волтер с increasingly повеќе контролира, Маргарет доволно плашена да размисли за бегство-ја прави приказната темна, додека куќата во која живеат е светлина измиена од сонце. Секогаш таков визуелен режисер, Бартон си игра со контрастните текстури и тонови на интересни начини.

Во една од најпознатите сцени од филмот на Бартон, двојката завршува на суд, додека Волтер игра денди како се брани, трчајќи напред и назад помеѓу масата за одбрана и стоењето на сведоците. Судијата конечно им наредува на двајцата да сликаат за поротата. Она што се развива е комедија во рамките на конкуренцијата, режисерот ја сними надреалната сцена точно.

Но, главно „Големите очи“ се развиваат како многу филмски биографии, малку премногу буквални и линеарни - тогаш ова се случува, потоа ова.

Филмот доаѓа со сета боја на режисерот, ерата убаво облечена, дизајнирана и снимена од прва класа екипа предводена од кинематограферот Бруно Делбонел, дизајнер на продукција Рич Хајнрикс и инспирирана Колин Атвуд, како Хајнрикс, чест соработник во проектите на Бартон На

Адамс влијае во играњето потчинето, очите неизвесни, усните треперат. Но, некако с feels уште се чувствува премногу безбедно, без истите емоционални ризици што ја карактеризираат нејзината работа, широк спектар, вклучително и минатогодишната секси, паметна мочка во „American Hustle“ и ракување со таа жешка печка во „Julie & amp Julia“ со Мерил Стрип.

Спротивно на тоа, Валц го носи Валтер до крајност, прилично иритирачки во своето барање за право, насмевката е залепена. Итриот сензибилитет што актерот им го донесе на другите флоридни ликови - нацистички полковник во „Неславни копили“, дрзок ловец на награди во „Django Unchained“ - е ставен во забрана.

И Адамс и Валц добија номинации за Златен глобус за нивните напори, но беа заобиколени од Еснафот на актери.

Приградската Америка во доцните 1950 -ти и раните ‘60 -ти е период што Бартон сака да го навлече. Во задевањето на сите нијанси на ситуацијата на Маргарет, режисерот ја канализира усогласеноста подобро од амбицијата и потребата што ја поттикнуваат.

Во таа смисла, „Големи очи“ е најприземното дело на Бартон досега, толку конвенционално како и времето. Не скоро толку необично како неговиот предмет, или самиот режисер.

МАПА рејтинг: PG-13 за тематски елементи и краток силен јазик


ТИМ БУРТОН ЗА „БЕТМАН“, „ЕДВАРД СКАЗАРИ“ и тинејџерските обожаватели на „КОСМОРОТ ПРЕД БОRИ“

На 25 декември, Тим Бартон ќе излезе Големи очи, период драматика за бизарната, вистинска приказна за Волтер и Маргарет Кин, двојката која стои зад оние славно кичести слики на мали деца со срна очи, кои станаа сензација во 1960-тите.

Филмот - во кој играат Ејми Адамс и Кристоф Волц - ќе го одбележи 17 -от игран филм што Бартон го режираше во приказната за кариера, која сега се протега во текот на 30 години.

Бартон отсекогаш бил необичен филмаџија, полу-ексцентричен визионер кој снима филмови за надворешни лица од холивудскиот студиски систем.

Тој зборуваше со Јаху филмови за неговата кариера и некои од неговите најпознати филмови, вклучувајќи Големата авантура на Пи-ви, Буба, Бетмен, Едвард Ножици и Кошмарот пред Божиќ ' ' '.

Погледнете ги најважните моменти во видеото погоре и уште неколку размислувања од Бартон подолу:

За тоа зошто Мајкл Китон изгледаше доволно луд за Бетмен од 1989 година:
Доби многу критики за премногу темно, и имаше многу критики за кастингот на Мајкл Китон. Тие мислеа дека ќе биде комедија или што и да е, но се чувствуваа многу посебно. Се сретнавме со овие големи тешки момци, но она што се случи беше дека, гледате во некој како Мајкл и мислите: „Еве еден дечко што може да го видите како се облекува како лилјак.“ Има очи и луд квалитет. внатрешниот живот, но тој не е Арнолд Шварценегер.

Значи, еве некој што требаше да создаде личност за да ги исплаши луѓето и да ги заплаши луѓето, а Мајкл изгледаше како совршена личност за да биде таква. Студиото беше доста поддршка. Фала му на Бога, Интернетот тогаш не беше толку голем, бидејќи навистина ќе бевме убиени. Но, дури и без Интернет, имаше многу негативност и аларм “.

На одење од Готам Сити по продолжението од 1992 година, Бетмен се враќа:

„Мислам дека го вознемирив Мекдоналдс. [Тие прашаа] „Што е тоа црно што излегува од устата на Пингвин. Не можеме да продаваме Среќни Оброци со тоа! ’Тоа беше чудна реакција на Бетмен се враќа, бидејќи половина луѓе мислеа дека е посветло од првото и половина луѓе мислеа дека е потемно. Мислам дека студиото само мислеше дека е премногу чудно- тие сакаа да одат со нешто повеќе за деца или за семејство. Со други зборови, тие не сакаа да направам уште една “.

За тешкотијата при изработката Едвард Рака за ножици дури и откако стана директор на А-листата:

После Сок од бубачки и Пишај и Бетмен [беа] успешни, мислев дека можам да правам што сакам. Тогаш научив дека секој филм е тешко да се снима. Дури и после Бетмен, презентирајќи приказна за момче со ножички раце - тие не беа најмногу ентузијасти.

Но, тоа беше посебен филм за мене, бидејќи тоа беа чувства, не автобиографски, туку чувство на чувство на тој начин како тинејџер. Беше многу репрезентативно и симболично за многу чувства што ги имав.

За „бизарната“ продукција на анимирани стоп-движења Кошмарот пред Божиќ, што Дизни го објави под својот банер Touchstone ориентиран кон возрасни на евентуална каса од 75 милиони долари:

& quot; Беше чудно затоа што во тоа време, тоа беше нешто што никогаш не сум го слушнал во мојот живот: тие немаше да направат трејлер за тоа. Дури и ужасни филмови за кои имате трејлери. Тоа беше бизарна работа. Тие во основа го [направија] затоа што јас го дизајнирав [во Дизни] пред многу години, и реков: „Вие момци навистина не сакате да го правите ова, дозволете ми да го однесам на друго место.“ И наместо да го пуштам на друго место, тие дозволија да се случи. Не чинеше многу. Но, додека одевме, тие не знаеја што е тоа. Тоа беше чуден филм кој стана поуспешен подоцна и подоцна. & Quot;

И како Кошмарот пред Божиќ стана неофицијален филм на емо тинејџери:

& quot; Сум видел луѓе кои имаат неверојатни тетоважи. Тоа за мене е најневеројатно, подобро од секој преглед, подобро од која било каса, подобро од с,, кога се поврзува толку длабоко со луѓето. & Quot

За тоа дали бил на жешка тема, каде Кошмар пред Божиќ опрема е с the уште бес.

За тоа дали ќе се врати и ќе ги промени работите во своите филмови:

„Не, знам дека некои луѓе ги ажурираат специјалните ефекти во филмовите или што и да е, но секогаш мислам дека тоа е малку временска капсула. Тоа е како пластична хирургија - повеќе сакам да ги видам брчките и брадавиците на луѓето, отколку да видам нешто што е сјаено. & Quot

На неговата непродуцирана Супермен филм во кој требаше да глуми Николас Кејџ:

& quot; Одевме по истиот пат во поглед на истражувањето [на Супермен приказна] на повеќе човечко ниво и повеќе емотивно втемелено ниво. И е доста поразително кога работите на проект за тој долг временски период, и тоа не се случи. & Quot;

За компјутерски генерирани наспроти практични специјални ефекти:

Се обидувам да го користам како алатка за да постигнам с whatever што треба да постигнете. Како аниматор, на пример, на Алиса во земјата на чудата, во тоа време јас не бев голем fanубител на снимање движења, така што многу од нив правевме чиста анимација, само затоа што чувствував дека има подобар тајминг. Го користите секој медиум за што и да е проектот и се обидувате да го третирате како лик. Ако тоа е практичен ефект, секогаш е забавно да се прави затоа што ги поврзува актерите и екипата со она што го правите, наместо да бидете во оваа празнина со простор со зелен екран “.

За неговата јавна личност:
& quot Не сум темна личност. Моите филмови се прилично лесни, сметам. Особено онака како што се сега, моите изгледаат како лудо лупање. & Quot;


Збогум Бетмен: дали Бен Афлек треба да се поклони како крстоносец со капа?

Ако постои „проклетство на Бетмен“ што ги погодува оние што ја повлекоа наметката и плачот на големото платно, тоа не е секогаш трајно. Georgeорџ Клуни се опорави од прикажувањето на одвратна верзија на мрачниот витез на Готам за elоел Шумахер во Бетмен и засилувач Робин во 1997 година, за да стане еден од најпознатите холивудски актери и филмаџии. Кристијан Бејл ретко е долго време надвор од центарот на наградите, а Мајкл Китон моментално доживува позлатена преродба во кариерата, што го натера да се врати во филмовите за суперхерои.

Меѓутоа, би било фер да се каже дека улогата може да биде отруена чаша. Клуни можеби имаше среќа да се опорави од критичното ужаснување на филмот на Шумахер (неговиот ко-starвезда Крис О’Донел никогаш не го стори тоа) и кариерата на Вал Килмер, секако, падна откако ја презеде главната улога во Бетмен засекогаш во 1995 година. И двајцата актери беа несреќни што беа избрани како Бетмен, додека Ворнер Брос го охрабри Шумахер да се препушти на својата наклонетост за кич и камп, како реакција на готското преземање на Тим Бартон за крстоносниот крстоносец во „Бетмен“ во 1989 година и продолжението „Бетмен се враќа“ во 1992 година.

Сегашниот мрачен витез Бен Афлек, исто така, мора да привлече сочувство, откако се потпиша на испрекинатата линија во време кога Ворнер изгледа збунет како да го прикаже Бетмен на големиот екран. Во една минута, тој е лутото водство на „Бетмен против Супермен: зора на правдата“, во следната минута, тој и ги разбива паметните работи и покажува каење за неговите претходни грешки во актуелната Лига на правдата.

Погледнете го трејлерот за Justice League - видео

Никој не знае кој Бетмен ќе се појави на претстојното самостојно излегување на Мет Ривс за крстоносниот воин, Бетмен, но се поизвесно е дека може да биде портретиран од некој друг освен Афлек. Интервјуирано од USA Today во пресрет на објавувањето на Justice League, добитникот на Оскар одби да ја потврди својата посветеност кон проектот што некогаш беше во режија, велејќи само дека останува „нешто што размислувам“. Можеби повеќе загрижувачки за Ворнер, Афлек навести дека филмот може да претставува крајна игра за неговиот краток престој во наметката и кралот, додавајќи: „Вие не го правите тоа засекогаш, затоа сакам да најдам еден грациозен и кул начин да се извлечам од [улогата]."

Појавувањето како Бетмен во три филма за две години (Зора на правдата, погрешно проценетата камео на Suicide Squad и Justice League) некогаш ќе се сметаше за многу. Но, живееме во ера во која Роберт Дауни rуниор го прикажа Ајронмен осум неверојатни осум пати во последните девет години (вклучувајќи камери) и има уште најмалку два настапи за претстојните „Одмаздници: Војна на бесконечноста“ и продолжението од 2019 година. Покрај тоа, ако Афлек се повлече сега, неговиот ангажман како крстоносен крстоносец ќе се смета за огромен неуспех, осуден да биде запаметен заедно со синглот на Клуни, Batnippled, во списоците „најлоши Бетмен“ од сега до крајот на времето.

Со оглед на тоа што филмовите на Ворнер за DCEU добро се претставија на благајните, секогаш се чинеше дека веројатно студиските извршители ќе истрајат со Афлек додека не се соочат со формулата дизајнирана да го извлече најдоброто од него. „Зората на правдата и самоубиството“, и покрај сите критични bидови, успеаја финансиски да го остават овој најнов суперхеројски филмски универзум со шанса да се борат уште еден ден. Но, Justice League, и покрај маргинално попозитивните критики од своите претходници, сега изгледа најверојатно ќе биде најслабата епизода досега.

Постојат гласини дека Jејк ylиленхал, кој некогаш беше сметан од Ворнер за филмот што на крајот стана Бетмен на Кристофер Нолан, се реди за да го замени Афлек. Ова не го решава сосема проблемот за тоа како наводно бујното однесување на Ривс со крстоносниот крстоносец треба да се синхронизира со бомбастичната епопеја на Justice League за CGI и меѓу-суперхеројски мудреци во стилот на Марвел. Но, овој потег ќе му даде на режисерот „Војна за планетата на мајмуните“ да започне нова ера на Бетмен со свежо лице.

Дел од проблемот со целиот фанданго на Батфлек е тоа што е тешко да се замисли овој нов Бетмен како различен од познатиот актер што го игра. Кога Брус Вејн дава сексистички коментари кон Чудесната жена на Гал Гадот во зората на правдата, ние се потсетуваме на смешниот приказ на Афлек пред повеќе од една деценија за време на публицитетот за филмот „erseyерси девојка“. Кога Бетмен го поминува поголемиот дел од времето изразувајќи жал за неговиот удел во смртта на Супермен во Justice League, се чувствува како да се извинува за неуспехот на „Зора на правдата“ да помине повеќе. Публиката сака да го види Афлек целосно инвестиран во улогата и да го исфрли неговиот перформанс од паркот, потсетувајќи н why зошто го сакаме крстоносниот крстоносец на прво место. Наместо тоа, добиваме актер кој изгледа дека повеќе би сакал да биде на кое било друго место.

Дали ylиленхал ќе биде подобар? Секако, ова е актер кој од време на време докажа дека може да исчезне во улоги, и се чини дека е подобар за новата трилогија на Ривс, со нагласен акцент на познатите детективски вештини на Бетмен (наспроти пиштолот колосално врамен -поставување, ултра-насилен Batfleck of Dawn of Justice).

Сегашниот актуелен претседател можеби нема да ја достигне неговата желба да го напушти DCEU на високо ниво. Но, судејќи според неговиот недоволно подготвен настап во Justice League, Афлек најверојатно нема да се жали премногу поради присилното заминување. Би можело да биде во интерес на секого да се дозволи ова темно витез момче со шунка, силеџија конечно да направи нешто во согласност со традиционалната наклонетост на суперхеројот за засенчување на потценување, и само нежно да се лизне во Готам ноќта, никогаш повеќе да не се види.


Овие неодамнешни суперхеројски моменти се толку сексистички што нема да верувате дека се направени во последните 5 години

Без буквално с everything што Доналд Трамп некогаш кажал, изминатите неколку години беа веројатно одлични за феминизмот. И поп културата, барем во најголем дел, одговори со тоа што ни донесе нова класа интересни, разновидни женски ликови. Но, сексизмот не е Берлински Wallид. Не можеш да го срушиш со чекани и да го наречеш ден. Сексизмот може да биде подмолен. Може да биде суптилно. Може да се вовлече и во најстрашните и добронамерните филмови. Особено жанрот суперхерој постигнува голем напредок & mdashuh, здраво, Wonder Woman! & mdashно имаме уште начини да одиме. Еве шест примери како Холивуд с all погрешно сфатил.

Периодна референца во „Бетмен: шега за убивање“

Сцена: За оние што не знаат, Шега за убиство е една од основните Бетмен приказни, во кои okerокер го киднапира комесарот Гордон и ја парализира неговата ќерка Барбара и mdashAKA Batgirl. Кога анимираниот филм се појави во кината во јули 2016 година, триесетминутен пролог беше додаден на приказната. Прологот ја следи Батгерл во просечна ноќ на борба против криминалот, и & mdashas еден од криминалците што ги следи дава с increasingly повеќе сексистички коментари и мдашкулинатира во потсмев за тоа како треба да биде „тоа време од месецот“. Батгерл потоа ја претепа смртта, рече криминалецот.

Зошто е сексистички: Нема ништо лошо во обидот на единствениот женски лик во вашата приказна да му дадете малку повеќе агенција, но јасно е дека на режисерите не им е грижа за ниту една реално предизвици што Батгерл ги има како женски борец за криминал. Тие само слабо се обидуваат да им се допаднат на жените во публиката покажувајќи „силен“ женски лик кој ги удира мажите. Ова е многу стара, многу глупава дефиниција за „девојче моќ“, која беше исто толку бруто пред дваесет години, како што е денес.

Кадрирање на мачка во „Темниот витез се крева“

Сцена: Во злобниот Кристофер Нолан е страшен Темен витез Трилогија, Мачка е слаба, секси жена која живее во сиромаштија со друга жена. Таа се здружува со Бејн за да го собори Бетмен, пред да сфати дека & mdashgasp! & MdashBatman е тој неподнослив, но привлечен милијардер што го ограби, Брус Вејн!

Зошто е сексистички: Мора да се признае, има неколку работи што браќата Нолан ги разбраа кога пишуваа „Catwoman“. Во една сцена, таа се преправа дека е во хистерија за да избегне полиција бидејќи знае дека полицајците ќе игнорираат емотивна жена. Таа е свесна за сексизмот околу себе и го користи во своја полза и ми се допаѓа тоа. Но, на крајот на денот, таа е уште еден женски лик што се бори во смешни стилета, придонесувајќи веднаш до заплетот и снимен под агли кои непотребно се фокусираат на нејзиниот задник облечен во кожа. Ако сакате да гледате филм што ја балансира сложеноста и сексапилот на Catwoman, погледнете го Тим Бартон Бетмен се враќа.

Хулк ја спасува црната вдовица во „Одмаздници: Доба на Ултрон“

Сцена: Многу луѓе се спротивставуваат на сцената во која Црната вдовица раскажува за Хулк за нејзината присилна стерилизација. Но, несмасно беше, беше добронамерно и ја изрази сложеноста на емоциите на Црна вдовица во тој момент. Сцената што навистина расипаните мои пердуви доаѓаат подоцна во филмот, кога Црната вдовица е киднапирана од никаде, и брзо открива начин како да повика помош, за да може да ја спаси нејзиниот loveубовен интерес, Хулк.

Зошто е сексистички: Овој пропуст во заплетот нема смисла и отстранете го и ништо во приказната не се менува. Единствената причина што е таму е затоа што Црната вдовица е единствената жена во тимот, а ние сме навикнати да гледаме жени спасени од мажи. Додај на ова непотребна loveубовна приказна (плус фактот дека нејзиниот лик не прави ништо за да го унапреди заплетот), и остануваме со сосема поинаков лик од Црната вдовица која толку многу заби Соберат одмаздници.

Starвездениот ordвезда ја спасува Гамора во „Чувари на галаксијата“

Сцена: Гамора е омилената ќерка на Танос и едно од најстрашните суштества во универзумот на Марвел. За неа велат дека е машина за убивање, па дури и гледаме како некои од нејзините вештини се користат додека се бори со Старлорд. Но, тогаш бандата е уапсена и испратена во затвор, а среде ноќ, Старлорд забележува дека некои насилници ја заробиле Гамора. Тој и го спасува животот и нивната духовита закачка/сексуална хемија започнува сериозно.

Зошто е сексистички: Дозволете ми да повторам уште еднаш: Гамора е наводно една од најопасните луѓе во галаксијата. Тогаш, зошто таа одеднаш не може да се одбрани од некои случајни вселенски насилници? Бидејќи таа е една жена во тимот, и така & mdashby Холивудската логика & mdashshe мора да биде во врска со главниот лик, и затоа да биде послаба од него. Најдобар начин да ја натерате да се зауби во Старлорд и ја воспостави својата сила? Нека ја спаси, дури и ако нема смисла. Во таа една сцена, Гамора преминува од држење на своето во тимот (и придонесување во заплетот) за да стане „пиле“ на групата до крајот на филмот.

Романса Харли Квин/Jокер во „Одред за самоубиства“

Сцена: Значителен дел од овој филм е посветен на приказната на Харли и како таа беше изманипулирана и заведена од нејзиниот психијатриски пациент .окер. Оттогаш таа е неговата обожувачка и послушна послушник.

Зошто е сексистички: Односот okerокер-Харли отсекогаш бил извртен и навредлив, и затоа е толку срцепарателен и фасцинантен. Во стриповите, Харли се покажа дека има многу сомнежи за нејзината врска и напуштање и враќање повторно и повторно. Тоа е реално ако вознемирувачки погледнете зошто жените остануваат со ужасни партнери. Меѓутоа, во филмот не се покажува дека Харли има сомнежи и дека го сака Jокер без разлика што тој прави. И тоа е само грубо.

Мистиката станува екстремист затоа што едно момче мисли дека е грда во „X-Men: First class“

Сцена: Мистика се занимава со проблеми со сликата на телото уште од детството (кој може да ја обвини, таа е сина!), Но нејзините чувства на отуѓеност доаѓаат до глава кога момчето што и се допаѓа (АКА astвер) и кажува дека сите мутанти со необичен изглед се грди. Потоа паѓа во прегратките на Магнето, кој сака начинот на кој таа изгледа. Со оваа позитивна афирмација, Мистик одеднаш е повеќе сочувствителен кон политичките ставови на Магнето и се приклучува кон неговата екстремистичка група.

Зошто е сексистички: Се шегуваш, нели.

Следете Мари Клер на Фејсбук за најновите вести за слава, совети за убавина, фасцинантни читања, видео во живо и многу повеќе.


ФИЛМ Поглед, ма, без раце, или Тим Бартон & Најнови дела на#x27s

Ова е најнепријатно што некогаш сум бил во филм, и актерот Johnони Деп рече дека издишала цигара од асистент на импровизиран клип за роуч. Господинот Деп беше облечен во црна кожа, од јаболко на Адам до прсти. Косата му беше маса од црни заплеткувања, а лицето беше составено како мимика, освен што беше покриено со протетски лузни. Најзачудувачки од сите беа комплетите сечила со смртоносен изглед каде што требаше да бидат неговите раце.

Господинот Деп беше обележан како насловен лик во новиот филм на Тим Бартон, ' ⟭ward Scissorhands, ' ', кој беше снимен летово и е закажан за доцна есенско издание. ' 'м врзан и завиткан во ова, ' рече за неговата облека и опремата на рацете. Се чувствувам како да сум во стар багажник на морнар, нема начин да излезам од него. ' '

Минатата година во тоа време друг филм во режија на г -дин Бартон, ' ➺tman, ' ' беше на добар пат да стане најуспешниот филм во историјата на Холивуд. На 31-годишниот режисер му беа врачени клучевите за кралството.

' 'Имам шанса да го направам она што сакам да го направам целосно, ' ', рече тој. Едвард „Ножици“ и#x27 чувствуваше и одреден притисок - не за да направи уште еден блокбастер, рече тој, туку за да направи филм достоен за спомените, соништата и чувствата што влегоа во него.

Она што ме прави нервозен е тоа што има повеќе значење за ова отколку што било друго што сум го правел досега, и рече г -дин Бартон. Никогаш не сум имал можност да изразам како се чувствувам порано. Ова е слика со која се идентификувам. ' '

Приказната за „Едвард ножици“, и#x27 #x27Beetlejuice ' ' и ' ➺tman ' ' - навистина е чудно. Едвард (г -дин Деп) е создаден од пронаоѓачот (го игра Винсент Прајс, кој се случува да биде музата на г -дин Бартон), кој живее во мистериозна палата на рид со поглед на генеричко пастелно предградие. Пронаоѓачот секогаш мислеше да ги замени ножевите на Едвард со вистински раце, но умира пред тоа да се случи, па Едвард мора да се справи со своите опасни белезници. Livesивее сам во замокот додека еден ден Ајвон Лејди (Дијан Вист) не одлучи да се јави на морничавото старо место.

Таму го открива Едвард, кого го убедува да се врати со неа во градот. Отпрвин соседството го прегрнува Едвард, но кога ќе се зауби во прекрасната ќерка на Авон Лејди (Винона Рајдер), новитетот почнува да се истроши. Откако Едвард е измамен да започне злосторство, тој е принуден да го напушти градот.

Јас пораснав како идеја за бајки, но никогаш не можев навистина да се поврзам со нив, знаете, & објаснува г -дин Бартон. И тогаш почнав да размислувам, ако сте наоколу во времето кога е напишано „Црвенкапа“ ', веројатно ќе има целосна смисла. Се надеваме, со 'Ракачи, ' ќе добијат иста магија и ќе се чувствуваат надвор од неа, но и ќе се однесуваат малку подобро со неа. ' '

Господинот Бартон се опкружи со соработници кои ја споделија неговата чудна визија, од актери до продуцент, до сценарист до дизајнер на продукција. Сценариото беше смешно, и рече г -дин Бартон. ' 'Од луѓето што го читаат, или не го добиле, или го сакале. И имав голема среќа да ги добијам луѓето што го сакаа. ' ' Имаше хармонија на сетот. Г -ѓа Рајдер ја опиша групата како луѓе кои се на иста бранова должина и размислуваат за истите мисли. ' '

Cast and crew spent 12 weeks filming in Florida, where they found, in the words of the production designer Bo Welch, 'ɺ kind of generic, plain-wrap suburb, which we made even more characterless by painting all the houses in faded pastels, and reducing the window sizes to make it look a little more paranoid.'' The production then relocated to a set in Los Angeles, where Mr. Welch and his crew created shadowy medieval-looking interiors for the mansion scenes.

On one day it was 110 degrees, but Mr. Burton was wearing a rumpled jacket over his black pants and long-sleeved shirt. He was about to film the scene in which Ms. Wiest comes upon Edward in his lair.

''Johnny, give me a little blade action,'' Mr. Burton instructed, and Mr. Depp twisted his wrists so that light glittered from his ''hands.'' He was crouched in a corner of the attic, where Ms. Wiest, in a lavender suit and pillbox hat, discovered him. At first she was frightened, but then her maternal instincts took over, especially when she saw the scars Edward has inadvertently inflicted on himself.

''They sent me a script a year ago, and I thought it was very strange and wonderful,'' Ms. Wiest said. ''I hadn't seen any of Tim's movies, but I went out and saw ➺tman' immediately. I was as taken with the man as I was with his work.''

Later that day, Mr. Depp, the 24-year-old star of the now-canceled TV series '✡ Jump Street'' and the John Waters film 'ɼrybaby,'' exchanged one pair of scissor hands for another in preparation for the next scene. ''The script was one of the two or three best things I've ever read,'' he said. He walked over to where Mr. Burton stood with Vincent Price on a set filled with giant gears and pulleys and a biomorphic assembly line that's reminiscent of Chaplin's ''Modern Times.''

Though it looked more like a widget factory, it was the kitchen of the mansion. The scene they were about to film was one in which the Inventor starts to present Edward with real hands to replace his blades, but dies before he actually attaches them, thus sealing Scissorhands's fate: to never be able to touch people without the possibility of hurting them.

Mr. Burton called '➬tion,'' and the scene went smoothly until the end, when Edward had to gently draw a blade across his dead creator's cheek, leaving a faint trail of blood. The director found it difficult to capture this effect on camera, and the actors went through a great many takes.

Mr. Price's role in the movie, though little more than a cameo, was something of a talisman for Mr. Burton. ''It's hard for me to describe it, but it really helped me growing up just by watching him,'' he said. ''It was more than just a fan thing it's very deep for me.''

In fact, aspects of ''Scissorhands'' can be found in Mr. Burton's earliest film, ''Vincent,'' a five-minute animated work narrated by Mr. Price, about a little boy (unmistakably modeled after Mr. Burton) who has a fantasy life that Poe would envy.

Caroline Thompson, the ''Scissorhands'' screenwriter, said that when she saw the Price short, she knew that she and Mr. Burton '⟊red about the same things and had the same feelings.'' So in tune were they, in fact, that Ms. Thompson wrote '⟭ward Scissorhands'' in three weeks after Mr. Burton showed her a drawing he had done of the character. ''The image just struck me so hard. Tim showed me the drawing and said, 'There's this character that I think about called Edward Scissorhands.' That's all he said. The minute he told me that, we started to talk about it, and the entire story was clear to me.''


FILM ➺tman' Battles for Big Money

Holy oblivious to the mist falling about his gentian fedora, Jack Nicholson presses an orange bullhorn to his mouth - a permanent leer of red in a whiteface mask - and begins his ascent to the helicopter.

''Roll camera!'' rumbles up from the crew huddled in the rain, breathing steam into the damp English night. 'ɺnd . На На action!''

There is the sudden flaring of klieg lights, the deafening whirr of propeller blades and Mr. Nicholson hitting his mark - dangling from the copter and bellowing his lines with all the wild-eyed mania of Daryl Van Horne in ''The Witches of Eastwick'' or the mad ravings of Jack Torrance in ''The Shining.''

Luridly etched in purple and white against the velvet night, Mr. Nicholson is none other than The Joker - that comic book clown prince of crime and the keystone of the upcoming film '➺tman.'' More than a decade in the works, now slated for release this June to coincide with the 50th anniversary of DC's best-selling comic book hero, '➺tman'' the movie has been until recently shrouded in secrecy, ballyhooed in superlatives and plagued by controversy.

At $30 million-plus and top-heavy with stars, the decidedly new-wave '➺tman'' is the biggest Warner Brothers film of 1989. A departure from the campy 1960's television series, the film is a blockbuster gamble along the lines of last year's ''Who Framed Roger Rabbit'' and a much-needed prospective hit in a summer crowded with competitors. '➺tman,'' which, in addition to Mr. Nicholson, features Michael Keaton, Kim Basinger, Billy Dee Williams, Jack Palance and Jerry Hall, will go head to head with ''Ghostbusters II,'' ''Lethal Weapon II,'' ''Star Trek V'' and a second trip '𧮬k to the Future.''

Yet even before shooting began at London's Pinewood Studios last fall, '➺tman'' generated more anger than anticipation among the comic book hero's fans - the hard-core audience for any film such as this. In a massive letter-writing campaign, objections were raised over the studio's emphasis on this high-concept Batman and the refusal to make a serious square-jawed film out of one of the most popular - and psychologically complex - comic book characters.

The controversy, which erupted in the front pages of The Wall Street Journal and numerous trade publications, focused on the casting of Mr. Keaton, best known as the anarchic prankster in last year's comedy hit '𧯮tlejuice,'' as the vengeful vigilante, and the choice of Tim Burton, the '𧯮tlejuice'' creator and former Disney animator, as the film's director. The suspicion voiced by hundreds of angry fans was that '➺tman'' would be a campy send-up similar to the self-parodying but hugely popular 1960's television series.

''Most people think of the TV show when they think of Batman,'' says Maggie Thompson, co-editor of ''The Comic Buyer's Guide,'' the industry bible. 'ɻut that was a series Batman fans saw as ridiculing the art form. The discrepancy between the fan's idea and the average guy's image of Batman is a real problem for Warners. This is like the 'Star Trek' movies. You have to win the fans to insure the film's success.''

Messing with the myth of Batman (in the blockbuster film and in the hundreds of forthcoming licensed materials) has become a delicate and high-stakes public relations act that has had Warners executives running to appease fans at home (including the hiring of Batman's creator, the cartoonist Bob Kane, as the film's consultant) while babysitting the 16-week shoot in London. The Warners executives Terry Semel and Mark Canton and the producer Jon Peters spent weeks pacing the Gotham City set sidelines. (So intense was the interest among the local Fleet Street press that The Daily Mail flew a helicopter reconnaisance mission over the five-block-long set, the biggest since 'ɼleopatra,'' while the competing Sun sneaked in a reporter for an unauthorized ''Holy Scoop, Batman!'' photo spread.) 'ɺ picture this size needs a lot of help,'' says Mr. Peters, during one of the film's final weeks of shooting. ''I'm at risk with Michael [ Keaton ] and Tim [ Burton ] . The image of Batman is a big male model type, but I wanted a guy who's a real person who happens to put on this weird armor. A guy who's funny and scary. Keaton's both. He's got that explosive, insane side.'' Mr. Peters is sitting in the smoke- - or, rather, incense-filled - Studio C on Pinewood's back lot, the site of the film's pivotal cathedral scene. It is the second-to-last day of shooting for Mr. Nicholson, a final sequence in which The Joker is whisked from the cathedral's Gaudi-esque aerie via that helicopter, leaving Batman and Vicki Vale (Ms. Basinger), the film's love interest, to dangle on the proverbial precipice (there is no Robin in the film). While Mr. Keaton, Ms. Basinger and Mr. Nicholson are coached through their acrobatics by Mr. Burton and a clutch of stuntmen, Mr. Peters and crew stand on the sidelines wearing surgical masks as protection against the cough-inducing smoke. The set, hazy and full of long shadows, is evocative of a church vestry, albeit one punctuated by laughter whenever Mr. Nicholson recites his line - a snarled ''What are you laughing at?'' - at one of the cathedral's dour-faced gargoyles.

''I never liked the Batman TV series,'' says Mr. Peters, sliding the mask from his mouth while keeping his eyes on Mr. Nicholson. ''I wanted to do a real aggressive picture, and it wasn't until we got Sam Hamm's script that we found the rough, dark edge we wanted. There's lots of peril in this film and humor, but it's not 'Raiders of the Lost Ark' or 'Ghostbusters.' ''

What exactly '➺tman'' will be is, ah, somewhat shrouded in mystery. The cast has been under wraps for almost the entire shoot, and Mr. Nicholson, who prefers feinting layup shots to speaking to anyone not directly connected with the film, has even refused to participate in the studio-sanctioned documentary ''The Making of Batman.'' Mr. Keaton and Ms. Basinger are only slightly less reluctant.

''I'm just along for the ride on this one,' says Ms. Basinger, shaking the smoke from her blond mane and settling on a dolly during a break. When pressed, she concedes, '➺tman is a legend, not just a cartoon. And the film is emphasizing that wonderful psychological story of three people who, I guess, live in all of us. It's a real visual movie, but Tim Burton has been real good at getting us to decide together where to go in scenes. We've all gotten to do a lot with our roles.''

Mr. Keaton, an affable and unassuming performer who hides behind the sports section during filming breaks, turns terse when asked about '➺tman'' and the controversy over his being cast in the title role. ''You know, Jack's role of The Joker is much more similar to what I did in 𧯮tlejuice,' '' he says, finally. ''That role was so over the top that I just whaled on it. This is different. I keep referring to the film as a painting - Tim calls it a puzzle. I'm just sort of throwing up my hands, saying, 'Paint me in, Big Guy.' ''

Indeed, if there is any common denominator to the cast and crew's perception of the film, it is a disavowal of the original Adam West 'ɺs millionaire Bruce Wayne'' television series and the short-lived 1966 film version, which also starred Cesar Romero as The Joker. It runs like a refrain through Mr. Peters's recounting the film's typically Hollywood history, a narrative that spans a decade and includes at least three earlier scripts, as many potential directors, a hiatus due to the writers' strike, a mention of Bill Murray (''Yeah, yeah, it would have a real different picture but still not like the TV show'') until the final troika - Burton-Keaton-Nicholson - was ensconced.

''I went to the mat for Tim and Michael, but it took a while to get Jack Nicholson,'' says Mr. Peters, who also produced ''The Witches of Eastwick.'' ''We had him over here, walked him around the sets, explained the makeup [ three prosthetic devices and a two-hour application procedure ] . But from the start he was attracted to The Joker. It's a tough role in a really good story.''

For Mr. Burton, whom Mr. Peters describes as 'ɺ brilliant, eclectic visual talent,'' the nub of that story is found, again, not in the POW! BAM! television series, but in the richly nuanced original 1940's Bob Kane strip and in such recent D.C narratives as last year's ''Killing Joke,'' which portrayed The Joker as Batman's doppelganger. ''I wanted to take the comic book material and make it real,'' says the director, a whispery-voiced, Tiny Tim look-alike, during a break in the morning's shooting. ''That's the great thing about these characters they're not superheroes like Superman. They're real people. And this new generation of comic books really explores the psychology and complexities of the characters. It's not just how square the guy's jaw is.''

It is a somewhat unusual approach by the director whose previous work (''Pee-Wee's Big Adventure'' and '𧯮tlejuice'') lent him a Hollywood reputation - not as an actor's director (''I never had to speak as an animator, just show my drawings'') - but as a master creator of artificial visual realities. Mr. Burton, who studied at the California Institute of Art prior to working at Disney, likes to manipulate the look of a film until it becomes a physical extension of the protagonist. ''I always love it when the sets are a character and not just the set,'' says Mr. Burton, who prefers directing from a video monitor.

''Tim has an obsession with the 1950's kitsch. He's brilliant at making the believable, or creating a super-realism,'' says the script writer Sam Hamm later, during a telephone interview from his home in San Francisco. ''That's where a lot of the humor of ➺tman' comes from, playing these inescapably outrageous situations as very deadpan.''

The film began as an urban reworking of ''Mad Max,'' according to Mr. Hamm, who shares screenwriting credit with Warren Skaaren ('➾verly Hills Cop II''). ''Somebody who's larger than life and a little frightening.'' Eventually that point of view gave way to a simple reworking of some of the original Batman myths with ''the premise being, here's a millionaire who can have anything he wants, and what he wants is to get dressed up and scare people,'' says Mr. Hamm, whose sole previous credit is ''Never Cry Wolf.'' ''There is a 'Rosebud' to his character, and it erupts as ➺tman.' That is the psychological thrust of the plot.''

That plot is a fusion of fantasy and reality, humor and derring-do, but whose fulcrum is always the symbiotic relationship between The Joker and Batman - a polarity mirrored in the film's design. Indeed, early footage, including the 90-second trailer currently being shown in selected theaters, shows a deeply shadowed, menacing Gotham City, lit very much like ''The Godfather.'' That is until Nicholson's white-faced Joker leaps out of the frame, a riot of purple, aqua, orange and that trademark green hair.

''We're going with tonal separation, lighting it as if it were black and white but shooting in color,'' says the cinematographer, Roger Pratt, whose previous work includes the films 'ɻrazil'' and ''Mona Lisa.'' 'ɺnd we're using a Kodak film stock that enables us to shoot in very low light while retaining bright effects. But the key is using sets of a single tone against which the Joker just pops out.''

Indeed, a stroll through the five-block Gotham City, a massive but surprisingly unremarkable cityscape of shops and cafes and 'ɽon't Even Think of Parking Here'' signs, doesn't reveal this broad-stroke character until one reaches Gotham Square, a depressing urban canyon evocative of Fritz Lang's ''Metropolis.''

''The idea for Gotham City was to take the worst aspects of New York City, go back 200 years and imagine if there was no planning commission,'' explains the production designer, Anton Furst, with a laugh. Mr. Furst, who was the creator of that flat, menacing Vietnam of Stanley Kubrick's 'ɿull Metal Jacket,'' says much of his inspiration for '➺tman'' came from Orson Welles's film 'ɼhimes at Midnight.'' ''There's fascism and German Expressionsim and a sort of general industrial mix to these buildings,'' he adds. ''The result is timelessness that runs from the 40's to the future. And the humor comes from taking the brutalism to the limit.''

Even the Batmobile, sequestered on this day in the lacquered confines of the Batcave, a dark subterranean lair that is hardly the cheery high-tech laboratory of the television series, is wittily derivative. Twenty feet long with an eight-and-a-half-foot wheelbase and fins to put a ❗ Chevy to shame, it is a Corvette on steroids.

As for Mr. Keaton's bat costume, Bob Ringwood's sculpted latex design required 20 bodies, 25 different cape ''looks'' and 6 different heads. Mr. Keaton, who describes the outfit as incredibly uncomfortable to wear (the cape is literally bolted to the actor's rubber bodysuit), sweats through two Batsuits a day. ''I'm knocked out by the sets and the stunts in this film,'' he says later, dressed in full Batman regalia right down to the dried blood on his lip. The actor has taken a moment - in a burst of Bruce Wayne politesse - to leap from the set in order to brief a visitor on some directorial nuances on the scene. ''Michael!'' comes the call from Mr. Burton somewhere in the haze. ''Oh, pardon me,'' says Mr. Keaton. And with a flourish of black rubber, Batman slips back into the shadows.


Review/Film And So Handy Around The Garden

AT the far end of a suburban enclave, where the houses huddle together like a candy-colored wagon train, there stands a monument to lonely genius. Atop a forbidding gray mountain, in yet another of the strange and ingenious outposts that the heroes of Tim Burton's films ("Batman," "Beetlejuice," "Pee-wee's Big Adventure") call home, Edward Scissorhands lives in isolation. He uses his extraordinary gifts to create magical artworks that, he imagines, no one will ever see.

Edward has apparently hidden here for a long time, with nary a trip to the grocery store. But one day, as seems perfectly reasonable in the ripe, fanciful pop universe in which "Edward Scissorhands" unfolds, a thoughtful Avon lady (Dianne Wiest) pays a visit. Seeing Edward, she immediately grasps that he has a problem and sweetly imagines that it can be solved with kindness, not to mention the makeup base of exactly the right hue. So the Avon lady brings the outcast back to her home, where he amazes the neighbors with his rare feats of snippery. He's a wizard when it comes to poodles.

In a sense, Mr. Burton is too. His "Edward Scissorhands" is as crazily single-minded as a majestic feat of dog barbering, with much the same boldness, camp ebullience and fundamentally narrow wit. Like a great chef concocting an exquisite peanut butter-and-jelly sandwich, Mr. Burton invests awe-inspiring ingenuity into the process of reinventing something very small. In the case of "Edward Scissorhands," which opens today at the Ziegfeld, that something is a tale of misunderstood gentleness and stifled creativity, of civilization's power to corrupt innocence, of a heedless beauty and a kindhearted beast. The film, if scratched with something much less sharp than Edward's fingers, reveals proudly adolescent lessons for us all.

On, then, to the better side of "Edward Scissorhands": the tremendous cleverness with which Mr. Burton brings these ideas to life. As embodied by Johnny Depp, Edward himself is a stunning creation, with a blackish cupid's-bow mouth and plaintive expression to offset his fright hairdo, abundant scars and potentially lethal hands.

Those hands, which quiver uncontrollably when Edward experiences strong emotion, are the one aspect of the young man that his creator (played by Vincent Price, who was a hero of Mr. Burton's when the director was still a young Disney animator) neglected to complete. The inventor died just before he could equip Edward with human hands, thus leaving him with these scissor-bladed prototypes. They make a great sight gag, if not a great metaphor.

As in each of Mr. Burton's films, the production design is the central good idea, perhaps even the sole one. This time, with production design by Bo Welch ("Beetlejuice") and cinematography by Stefan Czapsky, it involves bright colors in unlikely combinations, for instance, a lavender-suited Avon lady driving a dandelion-yellow car) and fashionably ridiculous late-1950's artifacts placed prominently throughout the characters' bunkerlike homes. On the lawns of these houses, more and more of Edward's singular topiaries -- in the forms of a ballerina, a penguin, a set of bowling pins and so on -- begin to appear.

It is very much in keeping with the film's fearless, defiant illogic that these shrubbery sculptures should appear where no shrubs grew before. Similarly, the film makes no bones about depicting Winona Ryder as a white-haired granny in the not noticeably futuristic prologue, and as a high school girl, circa 1960, when most of the action takes place. Ms. Ryder, in the former capacity, promises to explain to a grandchild what the story of Edward Scissorhands has to do with snowfall. It's also in keeping with the film's reasoning that the explanation for this, when finally revealed, isn't nearly as interesting as promised.

Ms. Ryder plays Kim Boggs, the daughter of the Avon lady, Peg, and a dryly deadpan patriarch (played by Alan Arkin). As lovely as she is diffident, she makes an enchanting Beauty to Mr. Depp's poignant, bashful Beast. When Edward first arrives in suburbia, he is so flustered that he scares Kim away. (He also inadvertently punches holes in her waterbed.) But he soon becomes part of the household and part of the community, despite insensitive questions -- like "Do you know about bowling?" -- from the locals.

Soon Edward is so much at home that he is virtually a household convenience, helping Peg snip threads when she sews. He also becomes extremely popular with the women of the neighborhood, some of them fascinated by his knack for inventing odd haircuts, and one (played with funny flamboyance by Kathy Baker) especially interested in discovering his other talents. The women in the film, with the exceptions of Peg and Kim, are ninnies, but the men are no more flatteringly presented. Kim's boyfriend (Anthony Michael Hall) is a lout, a bully and the cause of Edward's eventual undoing.

Among the film's more haunting visual touches, all of which linger much longer than the possible reasons for their inclusion, are the peculiar shrinelike assemblage of clippings in Edward's fireplace the bladelike beams that open a hole in his roof to the heavens and the inventor's cherished machinery, so pleasantly antiquated that the machines seem to have animal faces. The traces of warmth that spring up unexpectedly, even in the sequence that finds Edward and Kim amid snow and ice, are what save "Edward Scissorhands" from its own potential archness and give it the sweetness of a bona-fide fairy tale. "Edward Scissorhands" is rated PG-13 (Parents strongly cautioned). It includes sexual suggestiveness and occasional rude language. Edward Scissorhands Directed by Tim Burton screenplay by Caroline Thompson, story by Mr. Burton and Ms. Thompson director of photography, Stefan Czapsky edited by Richard Halsey music by Danny Elfman production designer, Bo Welch produced by Denise Di Novi and Mr. Burton released by 20th Century Fox. At the Ziegfeld, Avenue of the Americas and 54th Street in Manhattan. Running time: 100 minutes. This film is rated PG-13. Edward Scissorhands . На На Johnny Depp Kim . На На Winona Ryder Peg . На На Dianne Wiest Jim . На На Anthony Michael Hall Joyce . На На Kathy Baker The Inventor . На На Vincent Price Bill . На На Alan Arkin Helen . На На Conchata Ferrell


Содржини

Роман

In the book, Arthur Slugworth is one of Willy Wonka's rival chocolatiers. Slugworth, along with Wonka's other rivals Mr. Fickelgruber and Mr. Prodnose, sent in spies to steal the secret recipes to Wonka's treats for them.

Having obtained these, he began making candy balloons that a consumer blows up to incredible sizes, and then causes to burst before eating them a plagiarized invention.

The work of Slugworth (along with the other rivals) came close to ruining Wonka's factory. Wonka was forced to close his factory and fire all of his workers. A few years later, Wonka's factory began working again (operated exclusively by Oompa-Loompas) and his work continued to dominate the candy industry, with no rival able to plagiarize his work because using the Oompa Loompa as his workers enables Wonka to operate his factory without regular employees and keeping it off-limits to the public, so none of the spies can infiltrate.

Slugworth is never heard from again, but it is stated that Slugworth, Prodnose, or Fickelgruber would each give their front teeth to enter Wonka's inventing room (a laboratory) for 5 minutes. It's presumed that Slugworth, alongside Prodnose and Fickelgruber, may have continued their businesses, but as Willy Wonka stopped hiring human employees, it's likely they no longer were able to produce special treats like those of Wonka.

1971 film

In the 1971 film Willy Wonka and the Chocolate Factory, Slugworth's company is in business. Inside Bill's Candy Shop, Wonka's products and signs are the most visible but Slugworth's Sizzlers are also prominently displayed, and one is even sold to a child called June Marie.

Things that are also seen are signs for Fickelgruber's candy. Grandpa Joe describes Slugworth as the worst of Wonka's rivals, telling Charlie that he was one of those who sent his spies in dressed as Wonka workers to steal Wonka's Recipes.

A man calling himself Slugworth is a prominent character later in the film-where he was portrayed by the late Günter Meisner. As each Golden Ticket is found, he approaches the finder and whispers something into his or her ear. After Charlie finds the last ticket, the same man then approaches Charlie as well, and delivers what is presumably the same speech he has given the other children.

He introduces himself as Arthur Slugworth, president of Slugworth Chocolates Incorporated, and bribes the child to bring one piece of the newly invented Everlasting Gobstopper to him so that he can discover and plagiarize the formula. Two of the children respond to Slugworth's bribe. Veruca Salt crosses her fingers behind her back when Willy Wonka asks the children to promise not to show the Everlasting Gobstopper to anyone else.

Mike Teevee asks his mother what secrets they can sell to Slugworth his mother is also heard telling her son to keep his eyes peeled and his mouth shut. Grandpa Joe also responds near the end of the movie. After Willy Wonka snaps at him and Charlie Bucket for violating the rules by stealing Fizzy Lifting Drinks and bouncing up the ceiling which needs to be washed as a reason of why Charlie didn't get the prize, Joe threatens to give Slugworth the Gobstopper. However, Charlie can't bring himself to betray Wonka and thus returns the Gobstopper to Wonka.

Touched by this display of selflessness, Wonka forgives the theft of the Fizzy Lifting Drinks and reveals that the man isn't actually Slugworth, but a non-Oompa Loompa Wonka worker named Mr. Wilkinson, and that his "offer" was a morality test, which only Charlie passesd.

The movie doesn't explain how the false Wilkinson was able to approach each winner so soon after they found their tickets. However, it's implied that Wonka somehow managed to keep track of each ticket's destination and then he told Wilkinson where they are most likely to be found. This seems likely, as in the 2005 film, Wonka personally places the tickets on the candy bars and they are then shipped to specific locations.

2005 film

Slugworth only makes a split-second appearance in Tim Burton's Чарли и фабриката за чоколади where he was portrayed by Philip Philmar. He receives a secret recipe from fellow envious candymaker Prodnose and both of them were not heard of again.

Tom and Jerry: Willy Wonka and the Chocolate Factory

In the film, he invades Wonka's chocolate factory to steal a special candy known as the Everlasting Gobstopper. Despite his seemingly antagonistic nature, his reveal as being an employee of Wonka like the original 1971 film is revealed. He was voiced by Mick Wingert.


11 Great Titles Expiring From Netflix in April

Every month, as various licenses expire, streaming services lose movies and TV series from their catalogs. Here are 11 great movies and TV shows leaving Netflix in April.

Слика

There’s no greater testament to the skill and craft of this 1995 smash from Ron Howard than the fact that he manages to build (and sustain, for two-plus hours) tension and suspense around an event with a widely known outcome. That event is the Apollo 13 lunar mission in 1970, intended to be the third manned landing on the moon but aborted after a mechanical failure that put the lives of its three astronauts in jeopardy. Tom Hanks, Kevin Bacon and Bill Paxton project credible professionalism in those roles, finding the proper, fleeting moments to let their understandable fear and frustration blast through an Oscar-nominated Ed Harris is brilliant as the flight director on the ground, marshaling the minds tasked with bringing their boys home.

‘Batman’ / ‘Batman Returns’
Leaving Netflix: April 1

Once upon a time, a big-budget, big-screen adaptation of a popular comic book was actually a big deal. But the attraction to Tim Burton’s 1989 “Batman” wasn’t just its subject, but its style: The Gothically-inclined Burton (“Batman” was released between “Beetlejuice” and “Edward Scissorhands”) followed the lead of the graphic novels by Frank Miller, eschewing the fizzy, cartoon-pop sensibility of the ’60s television series (and its film spinoff) and crafting a decidedly darker take on the Dark Knight, casting Michael Keaton against type in the title role opposite a riveting (and scenery-chewing) Jack Nicholson as the Joker. It was so successful, Burton was given more even freedom on its 1992 follow-up, which takes Gotham into grimmer territory thanks to Danny DeVito’s freakish take on the Penguin and Michelle Pfeiffer’s sizzling turn as Catwoman.

‘Caddyshack’
Leaving Netflix: April 1
Add it to your Watchlist

One of the most quotable comedies of the modern era (“Cinderella story,” “Be the ball,” “So I got that goin’ for me, which is nice”), this 1980 favorite from director Harold Ramis (“Groundhog Day”) often feels like channel surfing between several movies at once: a W.C. Fields-style personality comedy starring Rodney Dangerfield a wiseguy, post-‘Saturday Night Live’ vehicle for Chevy Chase a slapstick farce starring Bill Murray and an earnest coming-of-age comedy-drama featuring Michael O’Keefe. But the inconsistency and incongruity somehow mesh, due in part to the picture’s spirit of cheerful, slobs-vs.-snobs anarchy, resulting in something akin to a coked-up Marx Brothers movie.

‘Cool Runnings’
Leaving Netflix: April 1
Add it to your Watchlist

One of the highlights of the 1988 Winter Olympics (from a storytelling perspective, if not a sporting one) was the debut of the Jamaican national bobsled team, which quickly became a fan favorite for their clear discomfort with an event not exactly common to their tropical home. But it soon became a feel-good underdog story of teamwork in the face of adversity — in other words, ideal fodder for a big-screen dramatization by Disney. And what could have been a one-joke physical comedy play instead became a warmhearted ’90s classic, thanks to the energetic direction by Jon Turteltaub (“National Treasure”) and the charismatic turns by Doug E. Doug, Leon, Malik Yoba, and Rawle D. Lewis as the team members, and (in one of his final performances) the great John Candy as their coach.

‘John Mulaney: New in Town’
Leaving Netflix: April 1
Add it to your Watchlist

This 2012 special from John Mulaney, the former “Saturday Night Live” writer and stand-up comic extraordinaire, which originally aired on Comedy Central, was only his second such showcase, but he already showed an old-timer’s mastery of the form. His deceptively simple persona, of a meek but good-hearted soul doing his very best to navigate a complicated world, proves durable and reliable as he explores dating, doctor’s visits and basic social interactions. The show’s funniest (if somewhat specialized) bit, however, may be his lengthy rumination on the pleasures of “Law & Order: Special Victims Unit” and its resident skeptic, Ice-T.

‘Never Let Me Go’
Leaving Netflix: April 1
Add it to your Watchlist

Kazuo Ishiguro’s 2005 dystopian romance novel gets the big-screen treatment in this 2010 drama from director Mark Romanek (“One Hour Photo”). Keira Knightley, Carey Mulligan and Andrew Garfield star as three students and occasional romantic partners who discover, in their teens, that all of them are clones — born and raised for the eventual harvesting of their organs. Screenwriter Alex Garland displays the thoughtful, chamber-music approach to science fiction of his subsequent “Ex Machina” and “Annihilation” (both of which he directed). Romanek, meanwhile, pulls off the neat trick of creating a cold, sterile world that is nonetheless infected by warmth and humanity — attributable in no small part to the skillful work of his crackerjack cast.

‘The Shawshank Redemption’
Leaving Netflix: April 1
Add it to your Watchlist

Removing this 1994 prison drama from Netflix probably won’t dent its ubiquity — it’s a regular topper of IMDb’s Top 250 list and it seems to pop up on TNT or TBS on a near-weekly basis. But it still smarts not to have this cinematic comfort food a mouse-click away, as it features the quintessential Morgan Freeman performance (wise, calm, and narrating for clarity) and some of Tim Robbins’ most complicated work (as a man who says little and reveals even less). Frank Darabont’s patient filmmaking, in which a series of seemingly casual vignettes crescendo into an emotionally overwhelming climax, makes this a particularly re-watchable film, in which little throwaways and asides take on extra meaning upon second (and third, and tenth) viewings.

Between his first and second cracks at Batman, director Christopher Nolan slid in this twisty, stylish exercise in sleight-of-hand moviemaking, as if to assure the fans of his breakthrough movie “Memento” that he was still up to his old tricks. This time around, the term “tricks” is literal: In “The Prestige,” Nolan tells the story of two stage magicians in 1890s London, whose friendly rivalry first becomes fraught, then deadly. Hugh Jackman and Christian Bale scheme and connive appropriately in the leading roles a standout supporting cast includes Michael Caine, Scarlett Johansson, Rebecca Hall and David Bowie.

The enigmatic and eccentric street artist Banksy directs this Oscar-nominated 2010 documentary, in which he profiles the rise of Thierry Guetta, known by the street-art name “Mister Brainwash.” Frisky and funny, it casts a cynical insider’s eye on the art world, as well as on Banksy’s place inside it — particularly in retrospect because of rumors that Guetta was, in fact, a creation of Banksy’s and that the entire story is a made-up prank. The director (who never reveals his face in the film) has denied the rumors, but they lend an extra dimension to this film, in which everything (and perhaps everyone) could be a bluff.

‘Begin Again’
Leaving Netflix: April 27
Add it to your Watchlist

The Irish writer and director John Carney revisited his microbudget, Oscar-winning indie sensation “Once” with a well-financed, star-cast exploration of the same themes: the magnificence of pop music, the semi-romantic charge of collaboration and the power of a song to say what can’t be put into words alone. Keira Knightley is charming (and believable) as a songwriter who finds an unexpected champion in a burned-out record executive (Mark Ruffalo). The musical numbers are stirring, and the dramatic beats land, but its best scene is its simplest: its two protagonists, wandering through New York City with their headphones, playing each other their favorite songs. Sweet but not saccharine, it is full of tiny moments of truth.


Погледнете го видеото: McDonalds Drive Thru Prank!! Batman Payback Time for Spiderman Ckn Toys (Август 2022).